PPyA2- 2020

Primeros acercamientos de producción.

El punto de partida se da por las siguientes inquietudes:

> La utilización de materiales no convencionales.
>Los procedimientos combinados.
>La estética de reciclaje, es decir, un proceso de reinserción.
> La designificación y la resignificación.
> El proceso de inicio y fin de los objetos manufacturados. >Los desechos producto de la rutina.
>Lo hegemónico desde el desinterés.
> La basura como fuente de información.

Antes de comenzar este recorrido me encuentro re-editando constantemente aquellos artistas referentes con los que va dialogando mi obra. Algunos de ellos son:

ANTONIO BERNI

Lo tomo como referente de mi obra ya que Berni realiza un proceso de reincerción, en él se toman objetos desechados y se los devuelve a la escena, para cumplir otra función, ya sea estética, porque la basura crea impacto visual; Constructiva, de la más amplia gama material, y argumentativa por la información adicional que ésta aporta, resultando más profundo y rico en contenido.

NICK CAVE

Tomo como referente a este artista por la especial atención que le da a los objetos encontrados y ensamblajes, las materialidades no plásticas, es decir aquellos procedimientos que se salen de lo convencional. 

Me interesan las capas y capas de los más diversos materiales que conforman cada creación de Cave; a veces muy coloridos, otras sólo luminosos; los trajes nos pueden parecer especímenes míticos, desde demonios y dioses, hasta extraños seres de pasajes de ciencia ficción. Los elementos que utiliza, como cerámicas, plumas, telas, muebles o cabello humano, son objetos desechados y descartados por la sociedad o la naturaleza. 

ALEXANDER CALDER

En sus tempranas figuras de alambre y en sus «stábiles», esculturas estáticas en metal, Calder creó trabajos innovadores explorando las posibilidades estéticas de materiales no tradicionales. Como contribución principal al desarrollo del arte abstracto, los stábiles y móbiles desafiaron la noción predominante de la escultura como una composición de masas y volúmenes proponiendo una nueva definición basada en las ideas de espacio abierto y transparencia. 

jane perkins

La artista ha estado realizando retratos icónicos obteniendo su inspiración a partir de los materiales que encuentra. Utiliza casi cualquier objeto reciclado, la mayoría de las veces de plástico: desde juguetes, botones, cuentas de bisutería, entre otras piezas.

Y así día a día voy descubriendo nuevos y agregando a mi lista, los cuales me ayudan a visualizar diferentes «modos de».

IDEA DISPARADORA..

Los primeros bocetos que realicé son una serie de cabezas donde los rostros no aludirían a personas puntuales, partiendo de que a la basura nadie la quiere cerca, aunque sea un producto del uso propio, lo que sobra de la rutina y que todos producimos.
Éstas se llevarían cabo en dimensiones reales. Realizadas a partir de una estructura de alambre, las caras serían de diferentes materiales reciclados y cosidos entre sí, ya sea desde tela, tejidos, hilos, tapas, chapas, plásticos, pelos, botones, carton, cuerina, papel, latas, y cualquier otro desecho que pueda incluirse, a través de la repetición de los mismos, para generar volúmenes. En la parte posterior de ellas colgarían capas y capas de los mas diversos materiales y objetos.

El objetivo de esta producción es darle especial atención a los objetos encontrados y ensamblajes, las materialidades no plásticas, es decir aquellos procedimientos que se salen de lo convencional. Me interesan las capas y capas de los más diversos materiales.
El desecho forma parte de lo que deja la memoria, es un producto de tiempos pasados, tiene una historia, un proceso que tuvo inicio y fin. Los desechos son una fuente de información, puede reinterpretarse en un nuevo contexto que complemente su misma función, pero además, lo reinserte con la carga histórica que trae en su escencia a la vida.

Proceso bitácora.

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El recurso técnico más competente para llevar a cabo una mejor aproximación es el collage, ya que me permite dar cuenta de las capas, de diferentes texturas, volumen, etc.

Estos bocetos los realicé en acrílico. Me interesa por momentos que el esqueleto de alambre salga a la vista despojado y por otros sea totalmente cubierto por la gran cantidad de materia, que desborde esos límites que demarca el alambre. Esto tiene como fin dar cuenta de los espacios propios y ajenos que día a día la basura se adueña.
Todos somos conscientes de que otro va a juntar los desechos por nosotros si no lo hacemos, incluso hay días determinados para que esto pase pero a donde va a parar todo eso que se acumula?

Acrílico sobre papel. Pequeños formatos.

Pruebas en alambre y estructuras.

Realizar pruebas en alambre me obligo a cambiar de herramientas, pase de usar pinceles y lápices, a pinzas, tenazas, y medidas de protección como guantes y lentes.

Empecé a hacer pruebas en alambre, y no pensando a éstas como obras terminadas sino como estructuras de base, son rostros que no tienen género ni buscan ser retratos y puede ir cambiando a lo largo del tiempo. Mi idea es ir de a poco agregandole materiales reciclados que vayan generando más volumen, pero a su vez aparezca el ambre despojado.

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Mi idea principal fue mutando a lo largo de los días a medida que hacía los ensamblajes de objetos a mis etructuras, me di cuenta que los objetos tienen que ser tratados de forma diferente en función del material que los componen.

El reciclaje está directamente ligado con la ecología y con el concepto de sustentabilidad, esto puede darse cuando un objeto que ya ha sido usado, es llevado por un proceso de renovación en lugar de ser desechado.

Al igual que las peronas que se encargan de seleccionar y clasificar los desechos, me propuse diferenciar los materiales, y realizar así de manera ajustada cada estructura. Por lo que cada cabeza será construida a partir de una categoria por ejemplo: metales livianos, plásticos, papeles, textiles, botones, transparencias, etc.

Proceso:

Ésta es la primer prueba, y sobre la marcha fue cambiando, agregando y sacando cosas:

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Materialidades

En primer lugar, es importante advertir que la definición de un material como “no convencional” implica una negación, es decir, define algo por lo que no es. Esto obliga a entender el concepto en estricta relación con su opuesto: el material convencional. Un material puede considerarse convencional o no según respete o altere un cuerpo de normas establecido.
A continuación se transcriben las definiciones del término “convencional” que brinda el diccionario de la Real Academia Española:
CONVENCIONAL. (Del lat. conventionālis).

1. adj. Perteneciente o relativo al convenio o pacto.
2. adj. Que resulta o se establece en virtud de precedentes o de costumbre.
3. adj. Dicho de una persona, de una actitud, de una idea, etc.: Poco originales
   y acomodaticias.
4. adj. Dicho de un acto, de una costumbre, de una indumentaria, etc.: Que se
   atienen a las normas mayoritariamente observadas.
5. m. Individuo de una convención.

Ahora bien, bajo esta mirada, el proceso de producción deviene en una relación dialéctica en donde la forma deriva del diálogo entre la materialidad y el concepto. A partir de la ampliación de la definición misma del concepto de material, es posible preguntarse cuáles son los materiales propios del arte, pregunta que evidencia la imposibilidad de negar el estatuto de material a todo aquello acumulado por la cultura y que constituye hoy una “caja de herramientas” disponible a la hora de producir e interpretar una obra. Como afirma Alicia Entel, “Cada objeto encierra un pedazo de memoria e historia”.

Un material puede ser convencional en productos pertenecientes a ciertos ámbitos y no convencionales en otros, de acuerdo a su uso y función. Este hecho es de suma importancia, porque un material, así como las técnicas y procedimientos utilizados para su tratamiento, está necesariamente vinculado al uso social de los objetos. Por lo tanto, los materiales deben analizarse en el contexto de su producción. La descontextualización, consiste en extraer objetos de su contexto natural de uso o existencia y tomarlos como materia para la producción de obras, resignificándolos en un nuevo contexto de producción artística. Este tipo de obras juegan con los significados alterándolos, contradiciéndolos o en algunos casos potenciándolos.

La propuesta de trabajar con materiales no convencionales apunta directamente a poner en cuestión las relaciones entre materialidad – canon o tradición – interrogante – valor societal (legitimidad de la obra artística como tal). Me resulta inquietante a partir de ésto la siguiente pregunta que raliza Boris Groys: « ¿Por qué se privilegian ciertas cosas; por qué la sociedad se preocupa por ellas e invierte dinero en su conservación y restauración, mientras que se dejan otras cosas libradas al poder destructor del tiempo, y a nadie le importa que eventualmente desaparezcan? ¿Podemos seguir hablando de arte si el destino de la obra de arte no difiere del destino del resto de las cosas ordinarias?´´

La práctica tridimensional no tiene como único recurso plástico la generación de un objeto tridimensional, es decir, la transformación de la materia no es su única forma expresiva, ya que el espacio en el que habita es un elemento que no solo la alberga, sino que le afecta e influye. La relación del objeto con el espacio es indisoluble, incluso en los espacios que consideramos «vacíos», existen elementos que afectan al objeto de una u otra forma. 

Según Perec, G. en  »Especies de espacios» hay realidades que se desarrollan o tienen lugar en el tiempo, es decir, tienen un comienzo y un final. Los objetos manufacturados, al igual que todo tienen un fin descartable. Groys afirma en su libro »Arte en flujo» que«los seres humanos son cosas entre otras cosas del mundo y, como tales, están sujetos al mismo flujo universal. Se enferman, envejecen y mueren. Los cuerpos son siempre parte de ese flujo.´´así es que las cosas están ligadas a lo efímero, a la destrucción, al paso del tiempo, al cambio constante, la desvalorización, y nosotros somos parte también de esos procesos, como todos perdemos interés y estamos sujetos al tiempo acotado de las cosas.

Proceso:

Para hacer la segunda cabeza tuve que conseguir una pistola de calor. Lo que me permite derretir el plático, deformandolo y aderirlo al alambre sin pegamentos, generando capas. Mi objetivo es generar una unidad, que no se ditinga a simple vista cada parte, sino que se entrelacen y formen una totalidad.

Parte de mi proceso es juntar y clasificar materiales, objetos, en edfinitiva acumular materia prima. Por eso le dedico la mayor parte del tiempo a buscar, pero actualmente con el Coronavirus es muy arriegado sacar cosas de la basura, así que opto por pedirle a conocidos que me ayuden a reciclar.

Proceso:

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Un posible complemento a la hora del montaje pensando en una instalación, sería reproducir en looping el sonido que producen las extensiones colgantes, ya que cada una produce una diferente al chocarse entre sí.

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El assemblage o ensamblaje es un proceso artístico en el cual se consigue la tridimensionalidad colocando diferentes objetos-no-artísticos muy próximos unos a otros. Hay que recalcar que estos objetos de los que se componen estas obras comparten la característica de que no han sido diseñados con fines estéticos sino que han sido redescubiertos por los artistas quienes los incorporan a sus obras, es decir preexistentes, de manera conjunta o de forma individual, para lograr expresar un mensaje o emoción. El assemblage es una técnica hermana del collage, se da una reconsideración radical de los formatos dentro de los cuales pueden operar las artes visuales. 

Alguno artistas que realizaron assamblages: Marcel Duchamp, Kurt Schwitters ( primero raliza la pintura Merz, y luego la escultura). Schwitters rescataba objetos usados, piezas de desecho que para él constituían el mejor reflejo de la sociedad. El hallazgo del objeto encontrado, atribuido por la historia del arte oficial a Marcel Duchamp, aparece en la obra de Schwitters de manera cronológicamente paralela. Elevar los objetos cotidianos a la categoría de arte, abrir el territorio del genio a la vida cotidiana, fue el paso más importante para la configuración de una nueva subjetividad.

En estas obras, el material es transformado, retorcido, ensamblado, seleccionado, y ninguna acción, técnica ni material destaca sobre la otra. 

Otros artistas, (además de mis referentes del inicio) Thomas Hirschhorn (Muchas de sus obras, caracterizadas por su carga social, así como por los materiales pobres utilizados : cinta, cartón, papel de aluminio, etc . Para él el arte es inseparable de la crítica político-social.)

Joseph Beuys, Bruce Conner, Arman, Robert Rauschenberg, John Chamberlain, etc.

Sigo buscando referentes, información, argumentos, realizando comparaciones, pero lo único que me queda dando vueltas a veces, es ¿por qué ésto y no otra cosa? porque siempre me interesó pintar, pero ahora no. Y realmente me genera satisfacción experimentar con éste contenido, con éstas formas, con éstos materiales, solo que la gente que me rodea sigue esperando otra cosa de mí, que haga cuadros y murales, porque eso si lo consideran como »arte».

  La estética de la precariedad.

Citando a Juan Genovés, que afirma que la fragilidad del ser humano es muy importante a la hora de pensar una obra, me surge la interrogante, ¿ desde qué lado mi obra abordaría la fragilidad y la vulnerabilidad? Creo que los materiales, solo son un vehículo, y cada dispositivo, nos da la oportunidad de repensarnos y reflexionar cual es nuestro lugar ante esta problemática, tomando una posición ante ellos. Considero que es una obra precaria, recurriendo a las reflexiones de Gerard Vilar, porque muestra, pero no dice verdades teóricas, solo es un modo de comprender la realidad en la que estamos insertos, que es algo más amplio y ambiguo que el conocimiento.

Al igual que esta obra, que esta en proceso, somos seres vulnerables, porque dependemos de la sociedad para satisfacer nuestras necesidades, y cualquiera puede acabar con nosotros. Nuestra existencia es contingente como todo cuando existe, y está sometida a los vaivenes del azar.

Para realizar esta nueva cabeza fue necesario utilizar otras herramientas y máquinas. Entre ellas una máquina de coser, tijera, agujas, hilo, etc.

Comencé cortando telas a mano, para formas capas, circulares y cuadrados, los cuales serían encimados y unidos con la máquina, pero era muy lento el proceso. Conseguí prestada, una amoladora para cortar tela, lo que me facilito muchísimo el trabajo.

Proceso:

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Desde hace algún tiempo, tengo algunas inquietudes, que me llevan a salir de mi zona de confort, y abrir mi campo de producción. Tanto así, que me encuentro preguntándome constantemente ¿Porque ésto y no otra cosa? ¿Cuál es la posición de mi trabajo artístico en este momento? Pero no necesariamente son dudas. Estas preguntas, son una provocación, que  hacen que pueda entender la obra como un recorrido, de una búsqueda que no tiene un fin determinado.

Esta obra, a la cual no sé cómo llamar aún, tiene múltiples capas de sentido, y cada persona que la vea, puede encontrarle uno distinto. Desde las relaciones entre el cuerpo y las cosas o entre el cuerpo y el espacio que lo circunda. Hay en ella además idea de vínculo, las proximidades y distancias entre las cosas y los seres, o los seres entre sí. Pienso que mi trabajo se lee mejor en conjunto, incluyendo cada parte, como el tránsito por unos temas específicos, pero en relación permanente con el todo. Pueden parecer especímenes míticos, desde demonios y dioses, máscaras de carnavales o rituales, hasta extraños seres de pasajes de ciencia ficción.

  Se trata de un conjunto de cabezas, realizadas en múltiples materiales, no convencionales. Cada una, trabajada de un modo distinto, adecuándose al mismo. Muchas veces he modificado mi rumbo, porque el material me empujó hacia una zona inesperada, señalando una experiencia diferente, dentro de lo azaroso. Mis obras son el resultado de poner una cosa junto a otra y ver qué pasa, todo está dictaminado en las elecciones. Entonces, existe una frontera, entre lo que yo quiero hacer, lo que yo pretendo, me imagino  y aquel momento en el que se presenta lo autónomo de la obra, como cada pieza ya no necesita más de mí, aunque pueda agregársele lo que sea.

¿Por qué la estética e reciclaje? Al igual que las personas que se encargan de seleccionar y clasificar los desechos, me propuse diferenciar los materiales, y realizar así de manera ajustada cada estructura. Me interesan las capas y capas de los más diversos materiales, a través del ensamblaje. Yo multiplico todo, porque hay algo en la abundancia, en la saturación, la acumulación, que me genera un impacto. Es donde entra en juego el tacto, lo visual claramente, e incluso lo auditivo, por la sonoridad que cada material chocándose entre sí, emite.El desecho forma parte de lo que deja la memoria, es un producto de tiempos pasados, tiene una historia, un proceso que tuvo inicio y fin.

Los desechos son una fuente de información. Puede reinterpretarse en un nuevo contexto que complemente su misma función, pero además, lo reinserte con la carga histórica que trae en su esencia a la vida. Por lo que planteo, que las cosas están ligadas a lo efímero, a la destrucción, al paso del tiempo, al cambio constante, la desvalorización, y nosotros somos parte también de esos procesos, como todos perdemos interés y estamos sujetos al tiempo acotado de las cosas. Nos da la oportunidad de repensarnos y reflexionar cual es nuestro lugar ante esta problemática, tomando una posición determinada. Al igual que estos objetos somos seres vulnerables, porque dependemos de la sociedad para satisfacer nuestras necesidades, y cualquiera puede acabar con nosotros. Nuestra existencia es contingente como todo cuando existe, y está sometida a los vaivenes del azar.    

Por: Ana Laura Badía

Texto de artista. 

Esta es una entrevista que se le realizó al artista Julio Hirsch Chavez, en Mayo de 2018, para una muestra llamada «J.H.C»  realizada en el Museo Emilio Caraffa. 

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Me parece interesante su punto de vista sobre los materiales, como las pretensiones de uno, son sobrepasadas por lo inesperado.

Proceso:

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Mi desafío en esta parte, fue aderir el papel al alambre, porque es muy dificil coserlo, al ser tantas capas de papel, hay que hacer mucha fuerza para traspasarlo.

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Cabeza finalizada

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Esta es una cabeza de gran tamaño, en relación a las anteriores, mide 1,60 cm. Me parece notable la escala que la obra fue tomando, cada vez se volvió mas corporal. Y los materiales son los protagonista de ese volumen, ya que la estructura de alambre es casi igual a las demás.

Detalles

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Me interesan los micro escenarios que se forman al acercarse, los espacios que quedan entre capa y capa, como se distiguen los colores, y a su vez desde la distancia un cuerpo, con formas disímiles, confuzas, que nos exceden.

Otras ideas a desarrollar:

Voy a seguir haciendo cabezas con otros materiales, el próximo cuatrimetre, pero me gustaría experimentar otros formatos, ya sea máscaras que puedan usarse, o tapices, también de materiales reciclados, incorporando la cara de alambre por delante, y probar otras opciones con las mismas, generando otro tipo de volúmenes. Todo formaría parte de una instalación.

Categoría: Metales.

PROCESO

Primero me encargué de juntar lo suficientes objetos y materiales, como para poder realizar repeticiones. Me tome bastante tiempo experimentando como trabajar con el metal, como unirlo sin tener que soldar, viendo de que forma deformarlo, y poder aprovecharlo todo lo que se pueda.

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Al deformar la tapas de las latas conseguí generar los volúmenes de la cara, acoplándolas, y a su vez se puede empezar a ver cualidades como el brillo, el contraste entre el plateado y el dorado, la sombras, etc.

En esta cabeza puntualmente me interesa generar volúmenes, sin embargo, decidí agregar de manera más obvia los ojos, e incluír objetos encontrados, que no fueron deformados, al ensamblaje. Esto se debe, ante la búsqueda de un aspecto robótico.

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DETALLES

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Cabeza finalizada:

ARTISTAS REFERENTES

Post producción

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•Nick cave

“..es como construir una segunda piel, que esconde sexo, raza, clase. Transformando al portador, disfrazando la identidad”

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•LOUISE BOURGEOIS •Habita lo íntimo

Trajes de latex.  Esta obra trataba de la vulnerabilidad y la exposición, de como uno siempre se enfrenta al “ser visto por otros”

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•Celeste martinez

Habita el campo de la moda y la publicidad. Realiza objetos de aparente belleza, pero que con una mirada más detenida y al conocer su composición pueda descubrir la realidad terrible que está contenida en la obra.

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Dibujos de Claudia Badía, Diseñadora de moda.

Junto con mis referentes, pero desde otro lugar, tomo los diseños de Claudia como un disparador directo, porque yo me comunique con ella y me mando múltiples videos contandome de sus búsquedas.

Mi objetivo u obsesión por así decirlo, es que todo lo que haga va tener una coherencia interna, con el fín de armar una instalación, donde presente todas las series de obras ralizadas durante el año 2020.

Luego de investigar y leer sobre las mascaradas tanto de las culturas Africanas, en celebraciones y ritos sagrados, como de celebraciones más cercanas como en el norte argentino, con la Diablada; llegue a la conclusión que interesa apropiarme de diferentes elementos de los rituales, y no pretendo hacer un ritual propio o imitar alguno.

Me gusta la idea de la seguna piel que trabaja Nick Cave, y también la aparente belleza de la obra de Celeste Martinez, también tomo lo íntimo que habita Louise Bourgeois, y propongo hacerlo a través de una serie de trajes que reflejen todo esto de algún modo.

Bocetos

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Ante la inquietud y la ignorancia que tengo frente al diseño de moda, decidí abordarla desde la experimentación que vengo haciendo a lo largo del año con diversos materiales. Por lo que realicé bocetos en papel buscando diferentes texturas, y volúmenes desde lo bidimensional.

Proceso del vestido de Papel

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Decidí realizar el vestido con servilletas que me donaron. Probe colocarlas de distintas maneras, hasta que me quede con esta forma plegandola en varias partes. Luego incluí sobres de té para hacer un canesú.

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Vestido terminado

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Luego de terminarlo me di cuenta la cantia e posibilidades que me había dado hacer este traje, el cual era efectivamente una capa protectora con más de 1000 servilletas. Así que ralicé un pequeño video mostrando el movimiento que tenía y el sonido que producían tantos papele chocandose, abriendo mi campo de producción, al encontrar dentro de mi obra la posibilidad de una performance.

Trabajo »El arte de los espejismos»

ANAMORFISMO
CON PALABRAS
• Este anamorfismo consiste en
visualizar una palabra desde un
punto de vista único , es decir, que el
mensaje se reconstruya solo desde un
punto de vista.

La primer obra es un cúmulo de latas y chapas, que vistas solo desde 1 posición lumínica se puede decubrir la palabra codificada: CONTINGENTE. Nombre que elegí para mi producción. Entrando en juego el aspecto primordial del anamorfismo, >que puede suceder o no suceder<.

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La segunda obra es de plásticos, tiene la misma lógica de la anterior. Al ver que el efecto no era tan bueno como el primero, busque nuevos enfoqus y agregué otro foco de luz generando la distorsión de la propia sombra.

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Última obra, realizada en tela anudada.

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Además de incluír en mis trabajos algo que no había aparecido antes: la palabra. Nos da la oportunidad de repensarnos y
reflexionar cual es nuestro lugar ante la obra, incluso ante una problemática, donde el espectador debe tomar una posición determinada.

Serie de Trabajo Final.

Para este último trabajo, propongo seguir con los trajes, pero a la hora de llevar a cabo el diseño expositivo mostraría todos los trabajos que realice a lo largo del año, ya que son series que conforman un mismo proyecto conceptual. (Contingente no terminaría con este trabajo, pretendo desplegarlo mucho más).

Proceso: traje de plástico

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Ralicé una falda larga y luego la uní a la parte superior. Las mangas son tres cuartos.

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Una vez que uní todas las partes, con sachets de leche al revés, hice flores, que se colocarían en el cuello y la espalda.

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Mi hermanita se quiso probar el vestido para jugar, pero al ser tan grande solo le puse la parte de arriba, y al ver como bailaba y saltaba con el traje puesto, me di cuenta la diferencia, lo nenes no tienen verguenza, incluso se mueven diferente, porque no tienen prejuicios ni pudor.

Proceso Traje de niñe.

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Al cambiar el tamaño tuve que hacer un molde pequeño.

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Vestido de plástico terminado.

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Para complementar cada traje y cubrir la cabeza, realicé un gorro de lycra, que cubrí completamente con el mismo material. Esta epecie de pelucas, sombreros, tapan parcialmente la cara y esconden el pelo.

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Proceso de gorro de papel.

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PROYECTO EXPOSITIVO

Propuesta:

 Para este último trabajo, propongo realizar una serie de trajes,  teniendo posteriormente como objetivo, generar un video-performance, con los mismos.

El diseño expositivo,  comprenderá el conjunto de todos los trabajos realizados a lo largo del año, será de esta manera, porque todas las series dispuestas, conforman un mismo proyecto conceptual. (Sin embargo, Contingente no terminaría con este trabajo, pretendo desplegarlo mucho más).

Texto de presentación:

Contingente, reúne la producción artística de todo un año de trabajo de la artista Ana Badía, bajo un mismo despliegue conceptual. Esta propuesta, le permitió ahondar en diferentes lenguajes, y mutar a lo largo del tiempo, logrando articular así diversos objetos, videos, secuencias de imágenes, y trajes, conformando todo ello la actual muestra.

Ana, se apropia de algunos elementos característicos de los rituales, como por ejemplo la vestimenta, pero sin caer en la mera reproducción de uno. Genera alegorías de lo que entiende como espacio sagrado, es decir, aquel que cada uno se construye a través de las cosas que va acumulando, guardado, apegándose e incluso dejando ir, a lo largo de la vida.

Memoria descriptiva:

Esta exposición se constituye a partir de 3 series, que tienen un hilo conductor común: La conciencia de finitud tanto de las cosas como de los seres mismos y la construcción de la identidad personal a partir de eso. Teniendo en cuenta esto, pienso que mi trabajo se lee mejor en conjunto, vivenciando la particularidad de cada pieza, pero en relación permanente con el todo.

 La primera serie se trata de un conjunto de 5 cabezas, realizadas en múltiples materiales de desecho. Cada una, trabajada de un modo distinto, adecuándose al mismo.

¿Por qué la estética de reciclaje? El desecho forma parte de lo que deja la memoria, es un producto de tiempos pasados, tiene una historia, un proceso que tiene inicio y fin. Por lo que planteo, que las cosas están ligadas a lo efímero, a la destrucción, al paso del tiempo, al cambio constante, la desvalorización, y nosotros somos parte también de esos procesos, como todos perdemos interés y estamos sujetos al tiempo acotado de las cosas. Este recurso, lo desplegué en todas las obras objetuales. Utilicé plástico, metal, tela, papel y botones, a través del ensamblaje. Yo multiplico todo, porque hay algo en la abundancia, en la saturación, la acumulación, que me genera un impacto. Es donde entra en juego el tacto, lo visual claramente, e incluso lo auditivo, por la sonoridad que cada material chocándose entre sí, emite. En cuanto al montaje, estarán dispuestas de manera lineal en la sala, suspendidas con un riel, dejando un espacio de 2 metros de distanciamiento entre sí, y en cuanto al muro debe dejarse al menos 1,50 metros del mismo para poder recorrerlas. La iluminación de la las mismas será con luz cálida-artificial dirigida.

La segunda serie es un cuerpo de 3 obras objetuales anamórficas, que vistas solo desde 1 posición lumínica se puede descubrir la palabra codificada: CONTINGENTE. Nombre que elegí para mi producción. Entrando en juego el aspecto primordial del anamorfismo, que puede suceder o no suceder. Consiste en que el mensaje, se reconstruya solo desde el
punto de vista del espectador. Dando lugar a repensar y reflexionar el lugar propio, porque al igual que estos objetos nuestra existencia es contingente como todo cuando existe, y está sometida a los vaivenes del azar. Estos objetos serán montados sobre un pedestal de 50 cm, para conseguir un buen ángulo de proyección, ya que los espectadores tendrán una participación activa y lúdica, buscando con pequeñas linternas el mensaje codificado, sin previo aviso. Es importante que la sala este a oscuras, solo con una tenue luz en el centro que no genere sombras.

Por último, la propuesta con la que culmino la producción anual, es un conjunto de 10 obras, que transita por múltiples medios. Confeccioné trajes con materiales reciclables, en una primera instancia los realice en tamaños grandes, sin un talle determinado, pero luego mi búsqueda se expandió, y decidí hacer trajes para niñxs. Posteriormente realice una secuencia fotográfica de algunos (un Flipbook), y diferentes videos, donde individuos danzan y se mueven con ellos, en una especie de escena ritual, fueron realizados en una casa abandonada que da cuenta a su vez del paso del tiempo. Estos videos están musicalizados con la recopilación de los sonidos que emiten las cabezas de la 1° serie, combinadas con instrumentos de percusión. En su totalidad, tanto los trajes como las expresiones con ellos, serían una alegoría de ese espacio sagrado (que cada persona constituye como su propia identidad), que me obsesiona poner al descubierto y a su vez codificarlo.

Los videos serán proyectados centrados en el muro, en una sala pequeña que solo le de protagonismo a los mismos. En la sala no se instalarán bancos para sentarse. En cuanto a los trajes, los cuales serán presentados como trajes de moda, serán expuestos en maniquís sobre un pedestal de 10 cm de alto, de 1m x 1m. Esto es necesario para que no toquen el piso los trajes. Se dispondrán de manera circular dentro de la sala,  para generar un recorrido horario y a su vez dar la sensación de escena ritual, de reunión; estarán distanciados en la medida que se pueda, pero se recomienda un metro. Tendrán iluminación indirecta, para no dañar los materiales, los cuales son más frágiles que los de las cabezas.

Decidí modificar esto, y solo presentar los videos, preservando el artificio; incluso tengo en mente hacer unas impresiones de gran tamaño con las fotos que tome de cada escena. Dejando de lado así la idea inicial de montar los vestidos como objeto en si mismo.

Por lo que el texto quedo definido de esta forma:

Por último, la propuesta con la que culmino la producción anual, es un conjunto de 10 obras, que transita por múltiples medios. Confeccioné trajes con materiales reciclables, en una primera instancia los realice en tamaños grandes, sin un talle determinado, pero luego mi búsqueda se expandió, y decidí hacer trajes para niñxs. Posteriormente realice una secuencia fotográfica de algunos (un Flipbook), grabaciones, y capturas, dando como resultado tres (3) videos, donde individuos danzan y se mueven con ellos, en una especie de escena ritual, fueron realizados en una casa abandonada que da cuenta a su vez del paso del tiempo. Estos videos están musicalizados con la recopilación de los sonidos que emiten las cabezas de la 1° serie, combinadas con instrumentos de percusión. En su totalidad, tanto los trajes como las expresiones con ellos, serían una alegoría de ese espacio sagrado (que cada persona constituye como su propia identidad), que me obsesiona poner al descubierto y a su vez codificarlo. Los videos serán proyectados centrados en el muro, en una sala pequeña que solo le de protagonismo a los mismos. En la sala no se instalarán bancos para sentarse. Las proyecciones estarán en dialogo con siete (7) cuadros de algunos momentos de las acciones que fueron inmovilizados, desplegados a lo largo de dos muros, dichas impresiones se realizaron en vinilo sobre mdf y poseen distintas dimensiones, dos de ellas miden 1,50 x 1m. Una es de 60×90 cm. Y las últimas cuatro son de 1,20 x 80 cm.

La decisión de no mostrar los vestidos como obras-objeto en la exposición tiene que ver con resguardar el artificio, y generar una intriga, no mostrar todo por completo, manteniendo oculta la materialidad de aquellos cuerpos danzantes.  

 Requerimientos técnicos:

Para montar las obras anteriormente mencionadas será necesario contar con dos ayudantes como mínimo para manipularlas, en cuanto al espacio, el mismo deberá contar con dos cuartos oscuros pequeños, de 3 m. x 3m. para proyectar los videos, con dicho proyector a disposición. Para el montaje de las obras anamórficas, se necesitarán tres pedestales de 50 cm. de alto, y 60 cm x 20 cm de ancho, también se utilizará tanza, alrededor de 4 metros por obra, para suspenderlas.

Para montar las cabezas, es necesario un gancho de alambre grueso y un tirante de alambre que pase desapercibido. Por último, se precisa dos muros lisos preferentemente de color blanco, con acabado mate de 10 mts cada uno para instalar las impresiones en mdf. 7 taco Fisher con sus respectivos tornillos, para poder colgarlas de manera que sostengan su peso.

Corpus teórico:

A lo largo de mi producción fui observando y tomando elementos de diferentes artistas, que me ayudaran a materializar mis ideas. Aquellos referentes, fueron mutando a partir de cada inquietud que se me presentaba. En un principio ellos eran: Antonio Berni, Nick Cave, Alexander Calder y Jane Perkins; pero luego fui buscando otros rumbos, y me interesaron los trabajos de Louise Bourgeois, Celeste Martinez, y diseñadores como por ejemplo Claudia Badía.

Tomo como referente general de todo lo que engloba Contingente, al artista estadounidense Nick Cave, en primer lugar por la idea conceptual de sus creaciones. Él diseña una serie de esculturas de medios mixtos y trajes de sonido, donde busca refugiar el género, la raza o la clase social de quien lo porta, despojándolo de cualquier tipo de prejuicio; el artista afirma ‘‘quiero que la gente se vaya con un tipo  diferente de conciencia, para mirar su entorno de manera diferente’’. Por otro lado, desde el punto de vista técnico, comparto la especial atención que le da a los objetos encontrados y ensamblajes de los más diversos materiales.

Las ideas que enmarcan mi producción, guardan relación con diferentes autores, citando a Juan Genovés, que afirma que la fragilidad del ser humano es muy importante a la hora de pensar una obra, me he preguntado constantemente ¿desde qué lado mi obra abordaría la fragilidad y la vulnerabilidad? Creo que los materiales, solo son un vehículo, y cada dispositivo, nos da la oportunidad de repensarnos y reflexionar cual es nuestro lugar, tomando una posición ante ellos. Esto puedo ponerlo en diálogo con lo que Groys afirma en su libro ”Arte en flujo” que “los seres humanos son cosas entre otras cosas del mundo y, como tales, están sujetos al mismo flujo universal. Se enferman, envejecen y mueren. Los cuerpos son siempre parte de ese flujo.´´(Groys-2016) así es que las cosas están ligadas a lo efímero, a la destrucción, al paso del tiempo, al cambio constante, la desvalorización, y nosotros somos parte también de esos procesos, como todos perdemos interés y estamos sujetos al tiempo acotado de las cosas. Por este motivo elaboro obras que representen de alguna manera, aquel espacio que cada persona se construye con todo aquello a lo que uno se aferra y también deja ir, se trata de las cosas con las que decidimos vivir . Poniendo al descubierto la finitud de las cosas y a la vez de uno mismo. 

Conclusión:

A modo de cierre, es necesario destacar el contexto tan vertiginoso en el que produce la artista  estas obras, donde todo a su alrededor era desconcertante, una pandemia que desconfiguró todo un año. Personalmente, pudo notar que esto influyó mucho a la hora de afrontar la producción, por momentos el desgano, no tener ánimo para crear nada y por otros le permitió trabajar muchas horas seguidas sin llegar tarde a ningún lado. Resaltando aquí el don de mutar y transitar por múltiples lenguajes, experimentar  desde su propio interés, perseguir sus obsesiones infinitas..

Imágenes de las escenas donde se realizaron los videos.

(Casona abandonada, Parque Guyón)

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’’La danza avanza’’
Cuando el invierno termina, los seres y sus sones
despiertan, haciéndose presente en este mundo
alterno, para hacer renacer de entre las
oscuridades sus espíritus dormidos.
Esos seres dejan que el sol, que es el mismo para
todos, se anuncie en sus rostros y cuando el
primer rayo los roza, poseídos por esa luz se
sumergen en sus atuendos, para ingresar al mundo
donde se danza y las sensaciones y los tiempos no
son tiempo y las líneas del destino se diluyen.
Van perdiendo pie a medida que la danza avanza…
Los seres descienden suavemente, volviendo a tocar
sus pies el suelo, mientras sus tejidos van
desprendiéndose como crisálidas vacías que ya
cumplieron su fin.
A.B.

Es interesante como se complementa el espacio y aporta a los videos otra dimensión, generando todo un ambiente

Ana desde su trabajo final del año 2019  hasta el momento, mantiene un proceso sumamente coherente, donde se observa una obsesión por explotar al máximo sus ideas, compromiso y dedicación por la producción artística como así también por crecer y enriquecer cada vez más, su repertorio de obras.

En esta exposición donde veremos todo su proceso abordado en este 2020, se presentarán 3 series de obras, que exploran diferentes lenguajes estéticos atravesados por un mismo concepto: la estética de reciclaje. Así mismo podemos distinguir numerosas capas de sentido en cada una de sus obras y más aún en el corpus total: la acumulación, clasificación, y organización de materiales. La puesta en valor de lo que otres consideran basura, y transformando con ello, la vida útil destinada para cada objeto.

Desde otro punto de vista Ana, en sus máscaras y trajes se apropia de las ideas conceptuales que se utilizan en rituales. La acumulación que presenta cada una indica el carácter de sagrado que se le asigna a la identidad del material y asi como de su recolector.

En el arte objetual que realiza Ana, no podríamos afirmar un único modo de producción, sino que la artista adecuara su práctica a cada propuesta enfrentándose continuamente a los desafíos que cada material le propone. Experimenta nuevas herramientas en cada obra: agujas y maquina de coser, pistola de calor, amoladora, son ejemplos de la diversidad de componentes y creatividad para su ensamblaje que maneja la artista.

La serie involucra al espectador en una multiplicidad de sentidos, envolviendolo en una atmósfera de sonidos y experiencias visuales que se ofrecen a través de la disposición de los objetos, imágenes y videos.

Estos videos evidencian, desde un índole performático, la posibilidad de habitar las obras. Con cierto carácter de extrañeza,  los contrastes del escenario con los colores y magnitud de lo trajes, los movimientos extravagantes de los individuos que los visten y los sonidos tribales que remiten toda la escena a un ritual, hacen de estas grabaciones una nueva obra de arte dentro de la serie, generando un impacto mayo en el observador.

Finalmente concluyo afirmando que las obras de Ana son un reflejo de su empeño y constancia en su labor. Para nada conformista, la artista se desafía constantemente, logrando un conjunto de obras muy completo e interesante, pero que aún puede seguir investigando. 

Análisis de obra por Paloma Manzano

Corpus anual de obras.

Serie de cabezas anómalas.

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Serie de objetos anamórficos.

https://www.artsteps.com/view/607b922fb8c79ecbe8f4983a?currentUser

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Serie audiovisual.

(Aquí no es posible adjuntar videos, porque es una opción paga, por eso presento el registro fotográfico, incluso es mucho más amplio, pero son muy pesadas las fotos.

Propongo de igual manera, este registro como obra en si misma.

Montaje virtual- prototipo de sala 3

LINK:

https://www.artsteps.com/view/607a3a80357cc86a6cf2ab00?currentUser

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Realice solo el montaje del proceso final, ya que las otras obras son objetos tridimensionales y no podía hacer modelos 3d leales a lo que realmente son.

IMPRESIONES EN VINILO DE ALTA DEFINICIÓN SOBRE MDF

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